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Channel: EL SÉPTIMO CIELO
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PODCAST ESPECIAL ALEXANDRE DESPLAT

March 25, 2015, 2:05 am
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En nuestro podcast de esta semana vamos a repasar la carrera del que es probablemente el compositor de cine de moda en este momento, gracias a su reciente Oscar recibido por la película El gran hotel budapest. 

Estamos hablando del músico frances Alexandre Desplat, el cual, desde su salto a la gran industria de Hollywood se ha mostrado como uno de los compositores de cine más prolíficos y activos del cine encadenando cada año numerosos trabajos donde siempre ha mostrado su versatilidad y talento y que le han reportado un total 8 nominaciones al Oscar, 1 Globo de Oro y 2 premios BAFTA, dos Premios del cine Europeo, tres César franceses y un galardón del Festival de Cine de Berlín e incluso el honor de ser el primer compositor de cine que es presidente de Jurado en un festival como el de Venecia. 

Se le acuñado como el nuevo John Williams, comparación inevitable cuando un músico destaca en esto de las bandas sonoras de cine, y aunque quizá no sea apropiado calificarlo así, principalmente porque sus estilos distan bastante entre si, lo cierto es que Desplat es junto a John Williams uno de los pocos compositores que han conseguido estar doblemente nominado en una misma edicion de los Oscar y desde luego, el único músico capaz de introducirse en el universo cinematográfico y musical de Star Wars, terreno que durante tres décadas ha sido exclusivo de John Williams. 

Y es que Desplat acaba de confirmar su participación en el primero de los spin-offs de la saga galactica, Star Wars: Rogue One. Según palabras del propio músico francés, su principal cometido es que sus composiciones tengan entidad y funcionen también sin el apoyo de las imágenes de la película, “Esa es la lección que gente como John Williams, Bernard Herrman, Nino Rota y Georges Delerue nos dejaron, escribir música maravillosa que puede sostenerse por sí sola”. Algo que vamos a poder comprobar a lo largo de la próxima hora donde escucharemos aisladamente, sin ese apoyo visual, las magníficas creaciones de Alexandre Desplat para el cine, desde la primera etapa de su carrera en su país de origen hasta su salto a la meca del cine, intentando resumir su estilo y su capacidad para abordar diferentes géneros. 

Espero que disfrutadéis del podcast y de la excelente música del compositor francés.


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"FOCUS": ROBBIE LA LADRONA

April 7, 2015, 7:27 am
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Repasemos la carrera reciente de Will Smith. Además de acudir como invitado a “El Homiguero” en cuanto surge la ocasión, el que fuera príncipe de Bel-Air, Muhammed Ali o tipo duro que acababa con invasiones alienígenas, procura, desde algo más de un lustro, volver a ser esa estrella capaz de alternar productos que superaban con suma facilidad los 100 millones de dólares en taquilla, con otros que le reportaban nominaciones al Oscar a Mejor Actor.

Desde “Hancock” y “Soy leyenda”, que en 2007 recaudaron más de 200 millones de dólares, Smith no ha levantado cabeza. Tampoco es que se haya prodigado demasiado en pantalla. Sin contar sus dos cameos en “Anchorman 2” y en la desastrosa “Cuento de invierno”, sus papeles protagonistas se reducen a un intento frustrado de ser nominado al Oscar, “Siete Almas”, una reaparición descafeinada en la saga cinematográfica que le dio la gloria, “Men In Black 3”, y especialmente, “After Earth”, esa aventura familiar donde Will Smith pensaba más en la carrera de su hijo Jaden que en la suya propia, tachada de apología de la cienciología y surgida en el peor momento crítico de su director, M.Night Shyamalan. No es que “After Earth” sea la peor película en la filmografía de Will Smith (acordémonos de “Hitch, especialista en ligues”), pero sí la que reunía un cúmulo de factores más dañinos para el maltrecho status de estrella del actor en aquel instante.

Recordemos ahora lo resultonas que son las películas de trileros, estafadores, truhanes, chantajistas, timadores. Por norma general, son cintas que suelen salvar sus carencias de guión recurriendo a las artimañas insólitas de sus astutos protagonistas, jugando esta baza casi siempre en su parte final acompañada de un redoble de tambores y un golpe de platillos. El espectador más impresionable puede entender el asombro de una estratagema bien ejecutada en pantalla como sinónimo de película admirable. Vamos, películas de truco que tienen truco. Ejemplos reciente hay a puñados; “Ahora me ves” llevaba las trampas al extremo, “Trance” de Danny Boyle asociaba el engaño a la manipulación psicológica o “La gran estafa americana” disfrazaba el timo hasta reducirlo a la mayor ordinariez narrativa.

Quizás por eso, a la espera de encontrar un proyecto mayor con el que ser la estrella taquillera que fue (¿será “El Escuadrón Suicida” de DC Comics?), Will Smith ha elegido con “Focus” (dirigida por Glen Ficarra y John Requa), cinta de timadores de altos vuelos, una opción de seguridad. Fiable. Sin un ápice de riesgo. Con la que agradar y evitar un nuevo fracaso.

“Focus” es, precisamente, una evasión nada atrevida. Intrascendente y de naturaleza efímera. Con una construcción de personajes escasa, pero una capa de lujo y opulencia en forma de coches deportivos, ropa de marca, localizaciones soleadas y prósperas, torsos musculados desnudos y universos como el circo de la Fórmula 1 que llaman a dinero. Abundancia y esplendor con el fin de aparentar ser un producto superior a lo que realmente es; una simple historia romántica aderezada con secuencias de trucos ingeniosos llevados a cabo por estafadores estilosos como gancho fácil para el que está mirando. Con unos cuantos flashbacks que te explican lo que ha pasado pero no el momento en el que te han colado la trampa. Lo que se dice, "vender el oropel".

También hay chicas guapas y estilizadas, claro está. Y en esto último está el factor incontrolable que Will Smith no ha visto venir. Se llama Margot Robbie y nos la presentó Martin Scorsese. Ya le jugó de tú a tú al mismísimo Leonardo Di Caprio haciendo las veces de esposa del mismísimo Jordan Belford en “El lobo de Wall Street”, y ahora luce radiante como rubia arrebatadora y ladrona, robando planos, atrayendo miradas y demostrando que tiene un tremendo magnetismo para la pantalla. Similar a cuando Grace Kelly desviaba la atención de Cary Grant en “Atrapa a un ladrón”. Parecido a cuando Michelle Pfeiffer deslumbraba bajándole los humos al Tony Montana encarnado por Al Pacino en "Scarface".

Lo que menos necesitaba la carrera de Will Smith era una actriz incipiente frente a su leve aunque evidente estado actual de declive. Margot Robbie fija la atención de "Focus" y, como la ladrona a la que interpreta, se la roba a Will Smith, que ante ella, poco más puede hacer que un desfilar de gestos interpretativos torpes y huecos. Un imprevisto del cual, a Smith, le conviene aprender, no vaya a ser que en la megaproducción citada de DC. Comics, donde vuelve a compartir planos con Margot Robbie, esta se adueñe de nuevo de la pantalla, y deje la carrera del bueno del principe de Bel-Air sin soluciones.
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A ESTE POSTER LE FALTA ALGO

April 7, 2015, 10:00 am
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¿Cómo no se le ha ocurrido a nadie esto antes? Algo tan sencillo como eliminar el título original y cualquier presencia protagonista en el cartel promocional de películas míticas como "Apocalypse Now" o "Regreso al futuro", es lo que ha hecho el artista francés Madani Bendjellal, en la serie que ha titulado Arrête ton cinémay que resulta especialmente sugerentey adictiva.


En el perfil del artista en behance podemos encontrar otras interesantes creaciones propias como la dedicada a Breaking Bad o en la que recrea lemas de películas, J'en ai rien affiche.

Podéis jugar a adivinar los títulos. Según el propio Madani, así nació su idea de crear esta serie.









































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"THE GUEST": EL EXTRAÑO SEDUCTOR

April 13, 2015, 7:10 am
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Apenas un sólo minuto de metraje basta para conocer las intenciones de la nueva película de Adam Wingard (director de esa cinta de terror referencial llamada “You´re next”); un trote militar con el primer plano de unas botas corriendo por un terreno empedrado, un título sobreimpresionado en pantalla con la tipografía del cine de John Carpenter en un potente color neón, una calabaza preparada para Halloween y una madre que mira apenada la foto de su hijo, en cuyo marco de fotos se apuntan las claves de su fallecimiento en combate.
Cuatro esbozos son suficientes para que Adam Wingard informe, ponga en situación e intrige al espectador. Una posterior llamada al timbre, dará el pistoletazo de salida a este orgiástico y fanfarrón thriller que disfruta y hace disfrutar revisando los códigos del cine ochentero. 

Como si del tio Charlie de “La sombra de una duda” (Alfred Hitchcock, 1943) se tratase, David Collins (genial Dan Stevens en todos los registros), una especie de Ryan Gosling en “Drive” con cara de niño bueno y de sonrisa cautivadora, se introduce en el hogar de una familia todavía afectada por la perdida en Afganistán de su hijo Caleb. Dice ser su compañero y venir para cumplir el último deseo de Caleb, pero sus miradas fijas a la nada ocultan algo más que una simple presencia para dar el sentido pésame. 

Sin embargo, nos dejamos engañar por sus buenas intenciones y por la simpatía cautivadora que desprende el bueno de David, y entendemos que la familia lo acoja con tal grado de hospitalidad. 

En su primer acto, "The Guest" explora con cada relación que entabla el soldado parásito con los miembros de esa pequeña comunidad, diferentes escenarios de actuación, que van desde el cine de instituto con el habitual acoso al estudiante "raro", hasta el drama parental tras la pérdida de un hijo, algún breve e indirecto apunte al síndrome de estrés postraumático derivado de las secuelas de un conflicto bélico, incluso al periodo de rebeldía adolescente que pone en escena la actriz, Maika Monroe, la joven hija de la familia y a la que pudimos ver en otro de los títulos más comentados del pasado festival de Sitges, “It Follows”. 

Situaciones variadas que “The Guest” resolverá posteriormente de una manera imprevista para el que observa. Tirando de acción y humor, mostrándose muy salvaje y nada preocupada por cumplir con la corrección moral que inunda el cine actual (y que no tenía el thriller y/o policiaco de serie B de los 70 y 80 al que referencia). Todo ello lo hace, acompañado por una banda sonora electrónica, especialmente diegética, que enfatiza el tono caricaturesco e insolente de la cinta y aporta un contraste magnético y peculiar a sus imágenes.
En su tramo final, con el público ya metido en el bolsillo, "The Guest" muta hacía "Terminator" y "Halloween", alude a experimentos del ejercito, se marca un guiño a "Fringe" y enmarca su clímax en una fiesta de instituto vestida de gala para la ocasión y propia del mejor slasher. Un final repleto de espejos, no solo los de la fiesta de Halloween que está presente durante toda la cinta, sino la gran multitud de referentes en los que "The Guest" ha sabido mirarse para completar un cóctel explosivo y ,sobre todo, tremendamente gozoso con hechuras de cinta de culto. Tan irresistible como la sonrisa de su seductor protagonista.
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PODCAST "LAS CANCIONES DE MAD MEN"

May 28, 2015, 3:45 am
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En Julio de 2007 comenzaba una serie de la cadena AMC que nos trasladaba al Nueva York de los años 60, concretamente al de una agencia de publicidad de Madison Avenue donde un universo de personajes siempre elegantes y acompañados de una copa de whisky con hielo, diseñaban anuncios de coches y cigarillos mientras trataban de ordenabar unas vidas marcadas por las insatisfaciones sentimentales, motivaciones laborales y los obstaculos y privilegios de la sociedad de consumo americana de antaño.

Las vidas de Don Draper, Peggy Olson, Roger Sterling, Pete Campbell o Joan Holloway entraron en nuestros hogares para lograr nuestra fascinación por una ficción de otra época que contribuyó a modelar las tendencias de nuestro tiempo.

El pasado 17 de Mayo de 2015, finalizaba “Mad Men”, consiguiendo el enésimo logro de su andadura, dejar satisfechos con su colofón final a la amplia mayoria de sus numerosos seguidores entre los que nos encontramos.

Por eso, en este podcast especial de "El Séptimo Cielo" queremos recordar algunos de los mejores momentos de Mad Men haciendo un repaso por canciones que sonaron en sus capítulos. Un terreno este, que Matthew Weiner y la supervisora musical de la serie, Alexandra Patsavas, entendieron clave para aportar un componente histórico y cultural a cada episodio mientras Don Draper y compañía veian sus vidas pasar. 

Esperamos que lo disfruteis.

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PODCAST ESPECIAL COMIC FREAKS

June 6, 2015, 2:12 am
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Hay un crossover o colaboración ignominiosa entre "El Séptimo Cielo" y "Comic Freaks" que anda pululando por la red durante los últimos días. Una hora de radio, música, comics y cine con premeditación y alevosía realizada "a pachas" entre un servidor y @Bamf_

Escucha enfermo!


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PODCAST ESPECIAL JAMES HORNER

June 25, 2015, 11:41 pm
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La noticia del fallecimiento del compositor James Horner a la edad de 61 años en un accidente de avioneta que él mismo pilotaba nos ha entristecido y nos ha hecho sentir la necesidad de rendirle un más que merecido tributo. De ahí que nos hayamos sentado delante del micro para recordar su carrera de la mejor manera; escuchando un buen número de sus maravillosas obras para la gran pantalla, algunas de ellas popularmente conocidas, otras de ellas escondidas en algún rincón de la memoria colectiva, pero todas representativas de un músico que encontró el reconocimiento en forma de premios y ventas millonarias con títulos como Titanic, Braveheart o La máscara del zorro y que previamente, en la década de los 80 y 90 demostró ser uno de los compositores de cine más inspirados y geniales, capaz de empatizar con las generaciones de jóvenes cinéfilos que crecía en aquellas décadas y que hoy lo consideramos como uno de los grandes de la bandas sonora a la altura (o próximo) a otros autores como Jerry Goldsmith o John Williams.

Desde los inicios de su carrera, allá por principios de los años 80 con títulos como Krull, Star Trek La ira del Khan, o Cocoon, hasta sus últimos trabajos con una carrera sumida ligeramente en la repetición de esquemas musicales, pasando por su etapa más gloriosa con obras como Willow, Apollo XIII, Leyendas de pasión o El nombre de la rosa, entre otros muchos. 
En este programa especial de "El Séptimo Cielo" toca decir adiós a este norteamericano diez veces nominado al Oscar y ganador de dos estatuillas, diez veces nominado y ganador en dos ocasiones del Globo de Oro, músico habitual de directores como Ron Howard, James Cameron, Mel Gibson o Jean Jacques Annaud. 

Nos despedimos de James Roy Horner.


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IGUAL DE TONTOS QUE ENTONCES

November 25, 2014, 9:33 am
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A principios de 1995, yo tenía 12 años, pero insistía continuamente en que en apenas unos meses serían 13 y no 12, como si esa nueva edad significase un salto inmediato e irreversible a la madurez. 

Por aquel entonces, acudía al cine por encima de mis posibilidades y veía un buen número de películas, todavía asesorado por mis padres, especialmente por mi padre, el cual, por defecto profesional, vivía continuamente informado de las calificaciones morales de las películas que se estrenaban cada Viernes.
Por ejemplo, ellos consideraban que era adecuado que viese “Loca Academia Misión en Moscú” pero no “Seven”. Que “Los Picapiedra”, “Superdetective en Hollywood III” o “Speed” era aptas para mi como no lo eran “Heat” o “Casino”. Comedias, cine familiar o cintas de acción para todos los públicos tenían el beneplácito parental, con algunas concesiones excepcionales como “La nueva pesadilla de Wes Craven”, por eso de las gafas 3D.
Yo, que ya tenía la escalofriante edad de “casi 13 años”, me rebelaba contra películas como “Casper”, demasiado infantiles para alguien de mi avanzadisima edad y abrazaba con entusiasmo las andanzas de Bruce Willis y Samuel L. Jackson en “La Jungla de Cristal. La Venganza" donde el bueno de John Mclane decía tacos y desactivaba bombas por las calles de Nueva York.
Andaba buscando el equilibrio cinéfilo de la pubertad, ese periodo vital completamente comprometedor donde cada decisión tiene una trascendencia fundamental para tu yo futuro.

Entonces, un 30 de marzo de 1995, llegó a las pantallas españolas “Dos tontos muy tontos”, película cuyo título apuntaba, a ojos de los tutores de mi educación, risas ingenuas adecuadas para seres imberbes y cuyo protagonista, Jim Carrey, actor de comicidad gesticulante, había pasado el filtro censor gracias a dos simpaticos y recientes estrenos como eran “Ace Ventura” y “La Máscara”.
Y allá que fui, un tanto receloso, pues aunque había disfrutado con el Jim Carrey de “Ace Ventura” y “La Máscara” prefería ver otros títulos que se proyectaban en los cines de Albacete en aquel preciso momento como “Cadena Perpetua” o “Pulp Fiction” los cuales se ajustaban más a mi recien emprendida misión de crecer cinematográficamente. 

No tuve tiempo para lamentarme porque aunque, efectivamente, había un buen catálogo de las muecas de un Jim Carrey en pleno apogeo así como algún chiste más bobalicón de lo normal, “Dos tontos muy tontos” supuso ser una obra clave y fundamental para alguien en plena edad del pavo, ávido de descubrir pero más acostumbrado a reir como era yo en 1995. 
Había pasado automáticamente de la comedia blanca a la comedia completa, donde escatología, estupidez, parodia, algo de humor negro, absurdo y humor físico se daban la mano alternando largos viajes en carretera con éxitos musicales de los 90. Aquellas semanas, coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa acudí una y otra vez al cine, casi compulsivamente, a ver los mismos gags protagonizados por Jim Carrey y Jeff Daniels habiendo ya olvidado que “Cadena Perpetua” y “Pulp Fiction” también se estaban proyectando.

Con el paso de los años, avancé en la comedia.Descubrí a Blake Edwards y Peter Sellers, a Mel Brooks, a los Zucker y a Leslie Nielsen, a Lemmon y Matthau, a Harold Ramis, a Chaplin, los Hermanos Marx y seguí muy de cerca la (desigual) carrera de Jim Carrey. Pero siempre tuve un hueco especial para la película con que debutaron los Hermanos Farrelly. Un título clave de la comedia de los 90 y de mi propia manera de entender el cine de humor. 
Cuatro años después llegaría “Algo pasa con Mary” que se llevaría las alabanzas unánimes de crítica y público en un intento casi consensuado de poner en el lugar que merecía al cine de comedia de los hermanos Farrelly. Pero no para mi. “Dos tontos muy tontos” ya apuntaba las mismas ideas tiempo antes.

Ahora han pasado algo más de 20 años desde el estreno norteamericano de “Dos tontos muy tontos”. Yo ya sobrepaso los 32 años y no voy diciendo por ahí que tengo casi 33, sino más bien todo lo contrario. Peino alguna cana y tapo alguna entrada. Hago deporte para poder mantener la forma y sigo yendo al cine con parecida asiduidad. Es por eso que volver a ver a Harry y Lloyd en la gran pantalla significa lo mismo que encontrarte a un viejo amigo del colegio con el que cambiaste cromos y patadas a un balón. Te alegras de volver a verlos y el rato compartido podría ser lo más parecido a viajar atrás en el tiempo, aunque no puedes evitar analizar cual ha sido su evolución y como ha cambiado uno mismo desde entonces. 

Harry y Lloyd también han envejecido pero siguen haciendo las mismas tonterias sin temor a resultar decadentes. No han evolucionado. Han estado en su propio letargo y salen de su refugio para repetir gags, viajes por carretera y chistes sobre disminuidos físicos como si fuera 1994. Te da un poco de compasión ver que para ellos todo sigue igual, rozando los 50 años y tan idiotas como siempre, haciendo las mismas bromas pero menos ágiles que entonces. Aunque entiendes que, para un rato que vuelves a verlos, no es momento de enjuiciarlos y si de agredecerles aquellos buenos ratos de hace dos décadas prestando atención a sus benditas patochadas. 

Decido dejarme llevar y me sorprendo a mi mismo llorando de la risa con “Dos tontos todavía más tontos” recordando con estos dos viejos retrasados tiempos lejanos de cuando nos comiamos el mundo. Demuestran conocerme, brindandome un guiño a mi serie favorita, "Breaking Bad". Todo un detalle que aprecio. Nos secamos las lagrimas derramadas con las carcajadas, nos despedimos satisfechos y suena “Me and You” de Jake Bugg. Seguimos con nuestras vidas, que ahora elegimos nosotros, entendiendo que ese sentimiento llamado “nostalgía” no siempre tiene porque tener un significado negativo.
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LA CARRERA AL OSCAR 2015

December 8, 2014, 11:57 pm
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Hay cinéfilos que miden el mes de Diciembre no por la cantidad de turrón de jijona ingerido ni por los décimos de lotería comprados, ni siquiera por las veces que has buscado esos zapatos marrones que tu amigo invisible ha pedido por Navidad, sino por las menciones que "Boyhood" acumula entre las asociaciones de la crítica norteamericana, por las numerosas veces que la última película de Godard ha entrado en los Top Ten de las mejores películas del año o por las nominaciones al Oscar que a juzgar por los gremios de trabajadores del cine tendrá Clint Eastwood en la próxima edición de estos premios.

Apenas a un par de días de que se anuncien las nominaciones a los Globos de Oro, desde "El Séptimo Cielo" hemos querido pensar no en el sujeto que está al día de todo lo que se cuece en la dura batalla hacía la estatuilla dorada sino en aquel que enfrascado en la ardua misión de encontrar esos zapatos marrones por todas las tiendas de la ciudad no tiene tiempo para conocer que películas podrán competir por el Oscar en el próximo mes de Febrero.

Por eso, hemos seleccionado una serie de títulos que con toda probabilidad pelearán por un puesto entre las nominadas al premio Oscar. Algunas se quedarán en el camino y otras ocuparán su lugar, pero estamos seguros de que la mayoría de estas 13 películas serán carne de Oscar 2015.


THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA". 
Rara vez en los últimos 7 años la película ganadora del Premio del Festival de Cine de Toronto se ha quedado fuera de las nominaciones al Oscar a Mejor Película, y en ocasiones (“12 años de esclavitud”, “El discurso del Rey”, “Slumdog Millionaire”) ésta ha coincidido con la ganadora de la máxima estatuilla. La película que esta edición se ha llevado el gato al agua en Toronto ha sido “The Imitation Game”, cinta con no pocas caractéristicas que la hacen fuerte candidata a nominación. Por un lado, la presencia del inefable productor Harvey Weinstein, puede que algo disgustado por su escasa presencia en el palmarés de los últimos Oscar. También, una historia muy del gusto de la Academia, basada en un hecho real e histórico fundamental para acabar con la Segunda Guerra Mundial, como fue la de conocer las claves de la maquina de comunicación de los nazis, la Enigma, y la figura de la persona que descifró sus códigos, Alan Turing, matemático por cuya orientación sexual sería procesado. Un actor al alza como Benedith Cumberbatch tiene la nominación asegurada por meterse en la piel de este personaje al que la película parece reverenciar. Keira Knightley es su compañera femenina en el reparto, Alexandre Desplat pone la música y Morten Tyldum, ese noruego que dirigió la excelente “Headhunter”, está tras las cámaras en su debut en la industría norteamericana. Demos a “Descifrando Enigma” por segura en la noche de los Oscar.


EL GRAN HOTEL BUDAPEST
Con cada edición de los Oscar es menos frecuente que una película estrenada a comienzos de año pueda colarse entre las nominadas finales al premio. Las compañías guardan sus ases en la manga para lucirlos en los meses cercanos a las candidaturas (meses de Noviembre y Diciembre) convenciendo así a los académicos de que esos títulos estrenados en "temporada de Oscar" son las mejores opciones elegibles. Pero ocurre que, en ocasiones, una película vista en fechas tempranas acaba haciendose fuerte por méritos propios y logra colocarse en buena posición en la carrera. "El Gran Hotel Budapest", estrenada en Marzo por Fox, es un claro ejemplo de esta circunstancia.  La última película de Wes Anderson es todo un alarde del ingenio, sentido del humor y talento visual del realizador tejano, sin duda uno de los autores más personales de la industria norteamericana al cual la Academia ha nominado en tres ocasiones, dos como guionista ("Moonrise Kingdom", "Tennembauns") y otra a su película animada ("Fantastic Mr.Fox") pero nunca con recompensa final. Puede que con "El Gran Hotel Budapest", la película más taquillera en la carrera de Anderson, sea un buen momento para que los Oscar reconozcan la labor de Anderson en todos los niveles, pudiendo ser candidato en la categoría de Mejor Director o Mejor Película. Otros aspectos como su guión, su dirección artística, su banda sonora (de nuevo, Alexandre Desplat) o un excelente Raph Fiennes también podrían colarse en las nominaciones.


LA TEORIA DEL TODO
"La teoría del todo" es uno de los muchos biopics que participan en esta carrera por el Oscar 2014. Dirigida por James Marsh, ganador del Oscar por el documental "Man on Wire", "La teoría del todo" viene a contarnos la relación entre el científico Stephen Hawking y su primera esposa, Jane Wilde, que le acompañó cuando le fue diagnosticada su enfermedad degenerativa. Un biopic de superación personal sobre un personaje popular y conocido por todos, condiciones que otorgan a esta película numerosas opciones de candidatura, más cuando recibió fuertes aplausos en la pasada edición del Festival de Toronto. El "miserable" Eddie Redmayne y Felicity Jones ("Like Crazy") son las dos grandes bazas interpretativas de la película, pero tampoco conviene descartar su preciosa banda sonora compuesta por Johann Johannson o su guión escrito por Andrew McCarten, verdadero valedor de esta película, adaptando las memorias de la propia Jane Wilde.

BOYHOOD
En todas las ediciones de los Oscar existe un "frontrunner" o "favorito en la carrera" al premio. Si nos atenemos al recibimiento unánime de la crítica, y a los primeros premios de los plumillas cinematográficos de EEUU (premiada por el Círculo de críticos de Nueva York, Boston, Los Angeles y NY online) , la cinta de Richard Linklater, es sin duda el"frontrunner" de este 2014. Además, Linklater consiguió el Oso de Plata a Mejor Director en el Festival de Berlín y su "Boyhood" tiene el valor añadido de su rodaje e historia dilatada en el tiempo durante más de 12 años, lo cual le otorga la condición de "película acontecimiento", algo de lo que Hollywood anda escaso. Por su carácter diferenciador creemos en el favoritismo de la película que es "como la vida misma", y la consideramos muy posible candidata en categorías como Mejor Película, Director, Actriz secundaria (Patricia Arquette), Actor secundario (Ethan Hawke) montaje y guión original (Linklater ha optado al Oscar por dos de sus guiones para su trilogía "Antes del amanecer", sin conseguir premio alguno). Logre o no todas estas nominaciones, los Oscar de este año contarán un amplio protagonismo para "Boyhood".


AMERICAN SNIPER, EL FRANCOTIRADOR
Sería insensasto descartar a Clint Eastwood y a su último trabajo, "El francotirador" de la carrera hacía el Oscar. Tras pinchar en hueso con su otro trabajo de 2014, la adaptación del musical de Broadway, "The Jersey Boys", Eastwood tiene la oportunidad de resarcirse de ese pequeño traspiés con una película que a punto estuvo de dirigir Steven Spielberg, el cual se apeó del proyecto en el último momento. La cinta cuenta la historia de Chris Kyle, uno de los francotiradores más certeros del ejercito norteamericano en la Guerra de Irak y está basada en sus propias memorias. Se da la circunstancia de que Kyle falleció el pasado año 2013 en un caso todavía por esclarecer. Al parecer fue asesinado en un campo de tiro por un ex-compañero de la guerra de Irak, detalle el cual desconocemos si mencionará la película. Según las opiniones recogidas allá por donde se ha proyectado la película, Bradley Cooper compone el mejor trabajo de su carrera encarnado al letal francotirador. Warner está detrás de ella haciendo campaña para que Eastwood, Cooper, Sienna Miller, el guión de Jason Hall ("El poder del dinero") o su montaje puedan estar nominados.


BIRDMAN O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA
¿Alejandro González Iñárritu haciendo una comedia? Cualquier cosa es posible si esto ha podido ocurrir. El director de dramones monumentales como "Biutiful" o "21 gramos" cambia radicalmente de registro para contarnos la historia de un veterano actor que fue famoso tiempo atrás por meterse en la piel de un superheroe llamado "Birdman" y al que ahora intenta resucitar para recuperar el crédito perdido. Michael Keaton (¿he oído Batman?) a sus más de 60 años es la gran estrella de la función y su vuelta al primer plano de la industria lo más aplaudido de una película compuesta por larguísimas escenas sin interrupciones, casi planos secuencia en los que secundarios como Emma Stone, Edward Norton o Naomi Watts pueden lucirse. Puede caer nominación para alguno de ellos, como también para el trabajo de fotografía de Emmanuel Lubezky (que ya ganó el pasado año por "Gravity"), a la música jazz de Antonio Sánchez, la dirección de Iñarritu, a su montaje, su guión y a la propia película.


A MOST VIOLENT YEAR
La familia y el crimen organizado. Dos temas que en el cine siempre han ido de la mano con excelentes resultados y con los que directores como Scorsese, Coppola o De Palma han ofrecido algunos de sus mejores trabajos. De estos realizadores y sus películas mafiosas parece haber tomado ejemplo J.C.Chandor para dirigir su tercera película, "A most violent year", en la que Oscar Isaac y Jessica Chastain intentan prosperar en medio de la fuerte violencia y corrupción del Nueva York de principios de los años 80. Chandor ha recibido excelentes críticas por este trabajo y con él,su emergente carrera tras las cámaras puede encontrar el espaldarazo definitivo de la industria tras haber sido nominado como guionista por su película debut, "Margin Call", y olvidado por su siguiente trabajo, "Cuando todo está perdido" aquella odisea marina protagonizada por Robert Redford. Ha sido galardonada como Mejor Película por la National Board of Review, lo cual parece asegurarle una nominación a Mejor Película en los Oscar pero no necesariamente la victoria si repasamos las últimas ganadoras de estos premios ("Her", "La noche más oscura", "La invención de Hugo", "La red social" o "Up in the air"). Con suerte, Chandor pueda estar doblemente nominado como Director y Guionista, Alex Ebert por su banda sonora, Chastain y Isaac o el secundario David Oyelowo en categorias interpretativas, o Bradford Young por su labor en la dirección de fotografía.


PERDIDA
Los Oscar tienen una deuda con David Fincher. El que, sin duda, es uno de los cineastas más importantes del cine norteamericano vio como "La red social" salía perdedora del enfrentamiento en los Oscar de 2011 con "El discurso del rey", como una gran obra como "Zodiac" era ignorada en las nominaciones o como "El curioso caso de Benjamin Button" solo era premiada en 3 categorías menores de las 13 a las que optaba en los premios Oscar de 2009. No parece que "Perdida" sea la opción más apropiada para que la Academia decida saldar la deuda con Fincher, pero no sería la primera vez que la Academia por fin reconoce a un cineasta por una película menor después de haberle dado la espalda con títulos más dignos y merecedores de la estatuilla (Scorsese). Efectivamente, "Perdida" no es la mejor película de Fincher, pero aún así es un trabajo por encima de la media que podría encontrarse con candidaturas en categorías como Mejor Película, Director, el guión adaptado por la propia escritora del Best-Seller, Gillian Flynn, Actriz (Rosamund Pike es la mejor de todo su reparto), la envolvente banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, o la fotografía de Jeff Cronenweth, dos veces nominado por sus colaboraciones con Fincher y al igual que el director, todavía sin Oscar.


WHIPLASH
Tras escribir los guiones de "El último exorcismo 2" o "Grand Piano" de Eugenio Mira, el jovencisimo Damien Chazelle (29 años), ganó el Gran Premio del Jurado y Premio del Público en la pasada edición del Festival de cine independiente de Sundance con "Whiplash" un proyecto personal que fue cortometraje antes que largometraje y en la que repite inquietud argumental, el jazz. Si en su debut, "Guy and Madeline on a Park Bench" su protagonista era un trompetista en plena ruptura sentimental, en "Whiplash" es un joven batería de jazz (Miles Teller) que en su empeño por convertirse en mejor músico sufre la instrucción casi militar del veterano y talentoso director de conservatorio al que encarna el habitual secundario J.K.Simmons. Es precisamente este actor, visto en multitud de títulos independientes y no tan independientes de Hollywood (desde los Coen hasta Jason Reitman pasando por franquicias como Spiderman) la verdadera estrella de esta película y principal candidato a logra el Oscar a Mejor Actor Secundario. La crítica está del lado de "Whiplash" y sus cuatro nominaciones a los Independent Spirit Awards han reforzado sus opciones de cara al Oscar. Además de posible candidata a Mejor Película y a Mejor Actor Secundario también podría encontrar candidaturas en Actor Principal (Miles Teller), Dirección, Guión o Banda Sonora.


SELMA
Las proyecciones del Festival del Instituto de Cine Americano incorporaron una nueva candidata inesperada a la carrera al Oscar, "Selma" de Ava DuVernay, relato sobre las marchas afroamericanas por la igualdad de derechos civiles en los años 60, lideradas por Martin Luther King, que recibió fuertes aplausos del público y acaparó la atención de la crítica. Efectivamente, estamos ante otra película que cubre la cuota racial en los Oscar (recordemos que película ganó el pasado año), otra narración basada en hechos reales basada en una importante personalidad norteamericana como es Luther King y otra película con fuertes nombres de la industria tras su producción (la todopoderosa Oprah Winfrey y Brad Pitt, que ya produjo "12 años de esclavitud"). "Selma" se está convirtiendo en una competidora sorpresa que gana fuerza conforme avanzan los días, siendo la dirección de la afroamericana Ava DuVernay, el trabajo intepretativo de David Oyelowo encarnando al famoso activista o el guión del debutante Paul Webb lo mejor recibido y posicionado de cara al Oscar. 


INVENCIBLE
Las historias de superación personal son otro de los temas favoritos de los premios Oscar, quizá por ello, Universal Pictures lo ha apostado todo por esta recreación de la vida del atleta olímpico norteamericano Louis Zamperini, el cual tras alistarse en el ejército de los Estados Unidos participó en la Segunda Guerra Mundial donde fue capturado y retenido en un campo de prisioneros japonés. Un proyecto largamente acariciado por la compañía que ahora ha convertido en realidad Angelina Jolie, en su segundo trabajo como directora, con un guión en el que participan los mismisimos hermanos Coen. El aspecto de “Invencible” luce increiblemente académico y oscarizable, algo que puede jugar a su favor, pero también en su contra. El eterno nominado Roger Deadkins está tras su fotografía. Alexandre Desplat compone la música e incluso Coldplay ha creado su tema principal. Un detalle que puede jugar a su favor es el fallecimiento del propio Zamperini a los 97 años el pasado mes de Julio, lo cual tocará el corazoncito de algún académico. Además, presenta a una de las grandes promesas interpretativas del momento, el británico Jack O´Connell (visto en “Eden Lake” o “71”).


INTERSTELLAR
De todos los trabajos del admirado y odiado a partes iguales, Christopher Nolan, sólo "Origen" fue candidata al Oscar a Mejor Película. Por mucho que lo reclamasen los seguidores de Batman, ni "El caballero oscuro" ni "Batman Begins" consiguieron nominación, como tampoco otros títulos del director británico como "Memento". A estas alturas, Nolan no tiene ni un Oscar ni siquiera un Globo de Oro, algo que "Interstellar" bien podría remediar de no ser por el reciente éxito en los Oscar de otra película de similares características, "Gravity". Dos películas espaciales acumulando Oscars puede ser demasiado para una Academia que no ha demostrado a lo largo de su historia especial querencia por el género de la ciencia-ficción. O quizá pueda ocurrir el caso contrario; la carga de culpa por la falta de atrevimiento que hizo que los académicos coronasen a "12 años de esclavitud" frente a "Gravity" puede revertirse en una expiación personal de los votantes otorgando nominaciones y premios a "Interstellar" y justificando así su aprecio por el género. Dudamos que pueda darse este último caso, al menos en cuanto a la victoria final de la película en la que Matthew McConaughey se va al espacio, pero no dudamos que "Interstellar" por su brillante factura técnica y su emocionante narración pueda acaparar el mayor número de nominaciones de esta edición.

MR.TURNER
Ya sea como director o guionista, el británico Mike Leigh acumula la cifra de 7 nominaciones al Oscar, bien por títulos que estuvieron metidos de pleno en la lucha por los Oscar ("Secretos y mentiras") o por otros que pasaron más desapercibidos ("Happy-Go-Lucky", "Another year"). La cuestión es que Leigh es uno de los directores foráneos preferidos por la Academia y si a eso unimos que "Mr. Turner" es una de sus películas mejor recibidas de los últimos años, podemos empezar a tener muy en cuenta a esta cinta en la pelea por el Oscar. Sony Pictures está tras su promoción y la buena acogida en Cannes será una de sus bazas a jugar, como también la de la interpretación de Timothy Spall, el gran protagonista de la función que encarna al reconocido pintor del siglo XIX,  J.M.W. Turner en el último tramo de su carrera. Su nominación a Mejor Actor suena como segura, como también pudieran serlo las de mejor dirección, película o guión.
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TOP 10 MEJORES SOUNDTRACKS 2014

December 20, 2014, 9:54 am
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01. INTERSTELLAR – Hans Zimmer 


En lo más alto de nuestro TOP TEN de bandas sonoras del 2014, hemos colocado al que consideramos mejor trabajo de Hans Zimmer en años, y uno de los más completos de su carrera. Intestellar, gana en trascendencia, en su aspecto filosófico y metafísico, en su épica espacial y en su parte más familiar e íntima gracias a la colosal música del compositor alemán dominada por la fuerte presencia del órgano. Un Zimmer grandioso.

02. PERDIDA – Trent Reznor y Atticus Ross 

Segunda posición de esta lista para una de esas bandas sonoras ambientales que se funden a la perfección con las imágenes a las que ilustran musicalmente. El misterio, la cotideanidad y la calma tensa y sospechosa de un matrimonio no demasiado bien avenido y algo resentido aportados por la novela de Gillian Flynn y la adaptacion de David Fincher y la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross en su tercera colaboracion con Fincher.

03. EL VIENTO SE LEVANTA – Joe Hisaishi 

Cerrando el podio de las mejores bandas sonoras del 2014, uno de los compositores más admirados en "El Séptimo Cielo". Lástima que “El viento se levanta” vaya a ser la última vez que Joe Hisaishi trabaje para el maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki, porque de su unión han salido grandes obras maestras de la música de cine como “El castillo ambulante” o “El viaje de Chihiro” entre otras. Para la despedida del cine de Miyazaki, Hisaishi volvió a una ofrecernos una deliciosa composición que volaba tan alto como el aeroplano de Jiro, protagonista de esta historia de amor a la naturaleza y al ser humano.

 04. LA VIDA INESPERADA – Federico Jusid y Lucio Godoy

Dignísima partitura deudora del mejor George Gershwin, uno de los músicos neoyorkinos más venerados de la historia de la música, y también de la música de Cine. Lo de ser neoyorkino no lo decimos por capricho, y es que la película española La vida inesperada, viajaba precisamente a la gran manzana para contarnos las andanzas de Javier Cámara y Raúl Arévalo en la inmensa ciudad de los rascacielos y de ahí que el duo formado por Federico Jusid y Lucio Godoy rememorase el estilo puramente americano de Gershwin para componer la banda sonora de esta película de españoles por el mundo.

 05. HER – Will Butler y Owen Pallett

Will Butler y Owen Pallett, dos miembros de la formacion canadiense Arcade Fire Llegamos al puesto 5 con un trabajo compuesto a cuatro manos Will Butler, miembro de la formacion canadiense Arcade Fire y uno de los colaboradores habituales de ella, Owen Pallett. Ambos debutaban en el cine de Spike Jonze captando el tono minimalista, delicado y melancolico de una de las películas más imaginativas del año. “Her” en la cual Joaquin Phoenix nos demostraba que un mundo despersonalizado era posible enamorarse de un sistema operativo diseñado para complacerte, especialmente si éste tenía la sensual voz de Scarlett Johannson, la cual,además, ponía voz al tema principal de la película.

06. EL GRAN HOTEL BUDAPEST – Alexandre Desplat 

En el puesto número 6 una partitura lúdica y brillante de un compositor francés que está en todas, y siempre con trabajos muy reseñables, Alexandre Desplat y que en Fantastic Mr.Fox ya demostró saber captar a la perfección el universo tan particular del director Wes Anderson. Para su ultima colaboración, El Gran Hotel Budapest, Desplat buscó capturar el sonido de la europa de entreguerras y para ello contrató a cerca de una treintena de músicos rusos expertos en el instrumento de cuerda más famoso del país, la balalaika. El resultado fue singular. Como el cine de Anderson.

 07. LAS DOS CARAS DE ENERO – Alberto Iglesias 

En ese intento por rememorar ambientes de suspense clásicos propios de Alfred Hitchcock llamado “Las dos caras de Enero”, lo que verdaderamente sobresalía en ella era su banda sonora, un trabajo con predominio del piano del siempre elegante músico español, Alberto Iglesias. Dirigida por Hossein Amini, adaptando la novela de Patricia Highsmith y con un triangulo amoroso y criminal muy particular, conformado por Oscar Isaac, Kirsten Dunst y Viggo Mortensen.

 08. UNDER THE SKIN – Mica Levi 

En el puesto número 8 una de las músicas más extrañamente incómodas y desasosegantes de la temporada. Prohibido escucharla aisladamente en casa, no acompañada de las imágenes a las que pone banda sonora, que no son otras que las de una de las marcianadas del año, la película de Johnathan Glazer, “Under the Skin” más comentada por sus secuencias de desnudo de Scarlett Johansson que por el efecto inquietante que crea en el espectador, que difícilmente podrá olvidar alguno de los potentes y desoncertantes momentos que contiene esta cinta. La música, repetimos, incrementa el mal rollo provocado por “Under the skin” y está compuesta por una cantautora de apenas 27 años que atiende al nombre de Mica Levi y que debuta en el cine con esta banda sonora.

 09. JOVEN Y BONITA - Phillipe Rombi

Hay algo sugerente en todas las películas del francés Francois Ozon y parte de esa sensación está provocada por la música del compositor galo Phillipe Rombi, músico habitual de Ozon y del que ya escuchamos sus bandas sonoras para títulos anteriores del director como En la casa o Swimming Pool. En esta historia de una adolescente que cambia las clases por la prostitución de un modo casi caprichoso, la música volvía a correr a cargo de Rombi y sonaba como siempre a delicadeza y a esa citada sugerencia.


10. AL ENCUENTRO DE MR.BANKS - Thomas Newman

Thomas Newman era nominado al Oscar por duodecima vez en su carrera por este trabajo que ponía música a la historia de la gestación de una de las películas familiares más populares de la historia del cine, Mary Poppins. La relación entre Walt Disney encarnado por Tom Hanks y la creadora del personaje de Mary Poppins, P.L.Travers interpretada por la británica Emma Thompson en Al encuentro de Mr.Banks.

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25 PELÍCULAS PARA 2015

December 22, 2014, 6:13 am
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25 PELÍCULAS QUE DARÁN QUE HABLAR EN EL AÑO 2015

William Friedkin, director de “El Exorcista” pronunció en twitter: “Psicosis, Alien, Las Diabólicas, y ahora THE BABADOOK”, “Nunca he visto una película tan terrorífica como THE BABADOOK. Os asustará tanto como a mi. Stephen King, a su vez dijo de ella; “Profundamente inquietante y altamente recomendable. No la veas, siéntela”. “El Séptimo Cielo”añade; búscale la doble lectura materno-filial y déjate llevar por la perturbadora figura de Mr.Babadook. Un clásico de terror instantáneo.
No es ésta una adaptación de comic del personaje “Rondador Nocturno” de la patrulla X, aunque su tísico protagonista, Lou Bloom (Jake Gyllenhall) comparta afición por merodear en la oscuridad. Ahí encuentra la solución a su tedio, grabar los sucesos más escabrosos ocurridos durante la noche en la ciudad de Los Ángeles para después venderlos al mejor postor periodístico. Dan Gilroy, guionista de “El últimatum de Bourne” y hermano de su director Tony Gilroy (Michael Clayton), debuta tras las cámaras habiendo aprendido bien la lección enseñada por el Martin Scorsese más noctámbulo de títulos como “Taxi Driver” o “Al límite” y ofreciendo a Gyllenhall la posibilidad de componer un personaje extremo y desquiciado para el recuerdo.
En un ranking online de las frases preferidas por las seguidoras de Christian Grey, sentencias del tipo; “Quiero que, cada vez que te muevas mañana, recuerdes que he estado dentro de ti”, “Mi cama es demasiado grande sin ti” o “Ven, vamos a la cama, te debo un orgasmo”, son algunas de las que encabezan ese top y con las que podemos entender la filosofía de vida del seductor dueño de “Grey Enterprises” y los derroteros por lo que caminará ésta película. La maquinaria de la adaptación cinematográfica erótico-festiva-femenina de este best-seller mundial ya está en marcha con vistas a convertirse en un éxito popular que humedezca las butacas de los cines a partir del próximo 13 de Febrero, fecha romántico-estratégica en la que Jaime Dornan y Dakota Johnson demostrarán si están a la altura de las autofantasias creadas por las lectoras/es del planeta tras haberse adentrado con mucha entrega en las páginas calenturientas escritas por E.L.James.
Si tu sueño es rodar una película de 007 pero los productores de 007 no sueñan contigo para rodar una película de James Bond…pues haz tu propia cinta de agentes secretos. Ese sueño es el de Matthew Vaughn (“Stardust”) y esa solución es la que ha tomado. Para ello, ha recurrido al comic de Mark Millar “Kingsman”, al que Vaughn ya adaptase en “Kick-ass” para contar la historia de un veterano espía inglés (Colin Firth) que debe entrenar a su joven y alocado sobrino (Taron Egerton) para pasarle el testigo en la agencia de espionaje en la que trabaja. Humor,acción, gadgets y al parecer, un desfile de apariciones estelares entre las que figura el mismisimo Mark Hamill.
Inspirada en la historia real del ballenero Essex que Herman Melville usó como base para escribir 'Moby-Dick', “En el corazón del mar” es la nueva aventura de Ron Howard, director que encadena buenos trabajos en los últimos años (“Rush”, “Frost/Nixon”) y en la que repite junto a Chris Hemsworth, marinero empeñado en dar caza a la gigantesca ballena que atacó a su barco en alta mar. Cillian Murphy, Ben Wishaw, Brendan Gleeson, Jordi Mollá y Tom Holland, el niño de “Lo Imposible”, completan un gran reparto de una gran producción rodada, en parte, en las Islas Canarias, y que cuenta además con la presencia española de Roque Baños en su banda sonora.
Paul Thomas Anderson adaptando a Thomas Pynchon en un relato cómico-absurdo-psicotrópico y detectivesco el que Joaquin Phoenix ejerce de peculiar agente privado encargado de encontrar a un desaparecido magnate. Junto a él Josh Brolin, Owen Wilson, Benicio del Toro, Sean Penn, Reese Witherspoon, Martin Short o Maya Rudolph para una película con la que Thomas Anderson podrá relajarse de la tensión acumulada en títulos tan intensos como “Pozos de ambición” o “The Master”.
Amantes y haters de Damon Lindelof (“Prometheus”, “Lost”)…vuestro guionista-rompecabezas favorito está de vuelta en 2015! El enfant terrible del guión norteamericano está detrás de “Tomorrowland” uno de los proyectos que Disney lleva guardando con mayor recelo en los últimos años. Hasta la fecha sabemos que Brad Bird (“Los Increibles”, “Misión Imposible: Protocolo fantasma”) es quien dirige y que George Clooney, Hugh Laurie o Britt Robertson son sus protagonistas, que algunas de sus escenas fueron rodadas en la Ciudad de las Artes y las Ciencias valenciana y que su sinopsis cuenta lo justo: Unidos por el mismo destino, un adolescente inteligente y optimista lleno de curiosidad científica y un antiguo niño prodigio inventor hastiado por las desilusiones se embarcan en una peligrosa misión para desenterrar los secretos de un enigmático lugar localizado en algún lugar del tiempo y el espacio conocido en la memoria colectiva como “Tomorrowland”. En Mayo saldremos de dudas, o no.
Echábamos de menos a la compañía animada Pixar, que desde “Brave” no estrenaba un nuevo título. En 2015 lo hará por partida doble y el primero de ellos llegará a las pantallas en verano. “Inside Out” está dirigida por Pete Docter, responsable de “Up”, el cual dará vida a algo tan invisible e intangible como las emociones. La alegría, el miedo, la ira o la tristeza se convertirán por el arte de magia de Pixar en personajes protagonistas de la historia de “Inside Out” y harán que la pequeña Riley sea un cúmulo de sensaciones encontradas.
Spielberg lleva años declarando que no reiniciaría la saga jurásica mientras no apareciese una gran idea con la que llevarla a cabo. Parece que tras muchos años dandole vueltas al guión esa idea llegó y comenzando así una nueva trilogía que según el bueno de Steven irá en una nueva dirección, completamente diferente y muy emocionante. Quizá por eso “Jurassic World” vuelve a la famosa Isla Nublar veintidós años después de los hechos de la primera película para mostrar al mundo una nueva especie creada por ingeniería genética que, como no, acabará siendo más peligrosa de lo esperado. Chris Pratt, el héroe de acción de moda gracias a los “Guardianes de la Galaxia”, será el protagonista de esta resurrección de los dinosaurios que ha escrito y dirigido Colin Trevorrow (“Seguridad no garantizada”). Se estrena el 12 de junio.
El terror de corte gótico es uno de los género preferidos por Guillermo del Toro como ya demostrase en títulos como “El espinazo del diablo” o produciendo otros como “Mamá”. Tras dejar la batalla entre Kaijus y Jaegers de “Pacifim Rim” atrás, Del Toro viaja ahora a la Inglaterra del siglo XIX para adentrar a una joven escritora (Mia Wasikoswka) con pasado trágico en una casa con presencias fantasmales. Vamos, una de casas encantadas de corte clásico. Junto a Wasikowska estarán, el Christian Grey que no fue, Charlie Hunnam, Tom Hiddleston y Jessica Chastain.
Como ya ocurriese en “Skyfall”, James Bond retornará a sus orígenes en “Spectre”. La organización terrorista con ansias de dominar el mundo ya fue protagonista en “Operación Trueno” y secundaria en otros como “La espía que me amó”, “Al servicio de su majestad” o “Sólo se vive dos veces”. Ahora el malvado lider de “Spectre”, Blofeld, vuelve a hacer acto de presencia bajó la forma del cada vez más acostumbrado a ser villano, Christoph Waltz, para hacer la vida imposible al bueno de Daniel Craig. Sam Mendes repite tras las cámaras pero nuestra atención estará fijada en Monica Belluci y Lea Seydoux, dos chicas Bond capaces de hacer historia en la saga.

No es que Spielberg y Hanks estén negociando reducir la prima de riesgo con la canciller Angela Merkel, es que la ciudad de Berlín y más concretamente su famoso puente Glienicke utilizado por soviéticos y occidentales para el intercambio de espías durante la Guerra Fría fue una de las localizaciones del rodaje de 'St. James Place', la nueva cinta del director de “Salvar al soldado Ryan” y que narra la historia real del abogado James Donovan, designado para negociar en 1962 la liberación de un piloto norteamericano derribado en Rusia. Thriller de espionaje histórico político que puede devolvernos al Spielberg de “Munich” y que protagoniza Tom Hanks, Amy Ryan, Alan Alda y Eve Hewson, que no es otra que la hija del lider de U2, Bono.
Si nada ocurre y si Tarantino no vuelve a enfadarse tanto como para volver a abandonar el proyecto, podremos ver su western “The Hateful Eight” a finales del 2015. Tras la filtración del guión que tanto encolerizó al director de “Django Desencadenado”, el rodaje comenzó a principios de Diciembre y aunque aseguran que la historia ha sufrido modificaciones a causa de su aparición inesperada en internet, lo que parece claro es que veremos enfrentados a ocho variopintos personajes aislados por culpa de la nieve en un salón del oeste. Entre esos 8 personajes se encuentran Samuel L. Jackson, Jennifer Jason Leigh, Kurt Russell, Bruce Dern, Michael Madsen, Tim Roth, Walton Goggins y Demian Bichir.
Solo 88 segundos de trailer consiguieron poner los dientes largos a más de 50 millones de usuarios de youtube en apenas 5 días. Alucinante. No es que el trailer aporte novedades sobre la tan ansiada trama argumental de este episodio VII pero es suficiente para entender que J.J.Abrams ha querido aproximarse a la trilogía original más que a las precuelas urdidas por George Lucas. Las notas de John Williams, la presencia del Halcón Milenario, de un X-Wing, un RD-2D giratorio o un planeta que parece Tatooine entroncan con los episodios IV,V y VI tanto como lo harán las presencias de Luke, Leia y Han Solo, los cuales brillan por su ausencia en este primer trailer. Habrá que esperar al 25 de Diciembre en España para disfrutar de las nuevas secuelas galácticas.
Con “Man on Wire”, el director James Marsh no solo ganó el Oscar al Mejor Documental sino que llamó la atención de la gran industria. Marsh está ahora al frente de una película oscarizable como “La teoría del todo” y las hazañas de Phillipe Petit, personaje real protagonista de aquel documental, llevadas a la ficción por Robert Zemeckis (“El vuelo”). Petit no es otro que el funambulista que cruzó las Torres Gemelas por la cuerda floja, proeza que narrará por Zemeckis en “The Walk” y que intentará sorprendernos gracias al uso de las 3D para así adentrarnos en los desaparecidos edificios de oficinas neoyorkinos. Joseph Gordon Levitt será quien encarne al intrépdio Petit.
De las múltiples adaptaciones de superhéroes preparadas para el 2015 (“Ant-Man”, “Los 4 fantásticos”), la secuela de “Los Vengadores” es la gran estrella. La franquicia de Marvel cuya primera película es actualmente la 3ª cinta más taquillera de la historia del cine, llegará a finales del mes de Abril para intentar repetir tamaño éxito y para no cumplir eso de “segundas partes nunca fueron buenas”. Para ello ha encargado a Tony Stark que haga de las suyas, desatando el caos mundial tras pifiarla con un programa de mantenimiento de la paz. Como no, la banda de superhéroes más potente del planeta tendrá que ponerse las pilas para volver a salvar el mundo y enfrentarse al malvado Ultrón. A Hulk, Capitán América, Thor y compañía se le unirán para la ocasión, La Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen) y su gemelo, Quicksilver (Aaron Taylor-Johnson). Repite tras las cámaras, Joss Whedon.
Mientras lo esperamos compartiendo planos con el Batman de Ben Affleck, Henry Cavill (alias Superman) estrenará en 2015 la nueva película dirigida por Guy Ritchie. Una adaptación de una serie televisiva de los años 60 ambientada en la Guerra Fría y conocida en España como “El agente de CIPOL” y cuyo título original es “The Man from U.N.C.L.E”. En ella,dos agentes de la CIA y del KGB tendrán que dejar a un lado sus diferencias para luchar peligrosa organización criminal. Liderando tal misión estará, junto a Cavill, Armie Hammer (“El llanero solitario”) además de  Alicia Vikander, Hugh Grant, Elizabeth Debicki (“El Gran Gatsby”), Jared Harris (“Mad Men”). Llegará en Agosto a las salas y será la primera película de Guy Ritchie tras la franquicia de Sherlock Holmes.
Deseabamos que uno de nuestros directores favoritos, M.Night Shyamalan, volviese a sus terrores personales y originales, esos de los que nunca debió salir para dirigir productos de encargo, y el 2015 parece ser el año que nos devuelva al mejor Shyamalan. Ha producido y dirigido el episodio piloto de la serie televisiva “Wayward Pines” y ya se encuentra finalizando el rodaje de “The Visit”, película de menos presupuesto pero más autonomía y libertada para director hindú, con el que vuelve a la senda de “El sexto sentido” o “El protegido” en una historia en la que dos niños visitan la granja de sus abuelos y descubren un siniestro secreto alrededor de ellos. Un proyecto del que se conoce poco más que su fecha de estreno norteamericano, 11 de Septiembre, que estará distribuida por Universal y cuyos protagonistas son practicamente desconocidos, Ed Oxenbould (Alexander y el día horrible, espantoso…) y Olivia DeJonge.
“Ágora” no le fue demasiado bien a Alejandro Amenabar, por eso, el “orsoncito” español vuelve al género que mayores satisfacciones le ha dado, el thriller de suspense y lo hace, de nuevo, con miras internacionales. “Regression” cuenta la historia de un padre, detenido por haber violado a su hija, que no puede recordar nada de lo ocurrido. Ethan Hawke, como detective y Emma Watson como victima de toda lo ocurrido, están tras los personajes protagonistas de esta historia producida, como no, por Fernando Bovaira y que distribuirá en EEUU el capo Harvey Weinstein. Se estrena en Estados Unidos a finales de Agosto.
El que es guionista favorito de Danny Boyle, Alex Garland, debuta en la dirección con la que promete ser una de las grandes cintas de ciencia-ficción del 2015. “ExMachina”, original del propio Garland, trata sobre un programador multimillonario (Oscar Isaac) que contrata a un joven empleado (Domhall Glesson) para que pase una semana en un lugar remoto para participar en un test en la que estará involucrada su última creación… un robot mujer dominado por la inteligencia artificial. Será curioso ver juntos a Isaac y Glesson antes de compartir planos en “Star Wars”. Junto a ellos, una actriz dispuesta a llamar la atención definitivamente en 2015, Alicia Vikander.
Shakespeare nunca pasa de moda. Y con él, “Macbeth”, una de sus tragedias más adaptadas a la gran pantalla y que en 2015 contará con una nueva versión protagonizada por dos fuerzas de la interpretación como son Michael Fassbender y Marion Cotillard. Ellos se pondrán en la piel de Lord y Lady Macbeth bajo la batuta del realizador indie Justin Hurtzel. El guión corre a cargo de Todd Louiso (uno de los dos colegas de John Cusack en “Alta Fidelidad”), el rodaje se ha llevado a cabo integramente en Escocia y Harvey Weinstein ha adquirido los derechos de distribución. ¿Alguien ha dicho Oscar?.
Si la comparación puede resistir…Zeta Cinema es la Marvel española, al menos en cuanto a intenciones a la hora de adaptar grandes personajes del tebeo español a la gran pantalla. Anunciado el próximo rodaje de “Superlópez” y tras haber producido la nueva versión de “Mortadelo y Filemón” con Javier Fesser al mando, “Anacleto Agente Secreto” es la gran apuesta de Zeta Cinema para este año. Dirige Javier Ruíz Caldera (“Promoción fantasma”, “Tres bodas de más”) y protagonizan Imanol Arias como Anacleto y Quim Gutierrez, el cual tomará el testigo aventurero de la saga familiar. Carlos Arece compondrá un villano de nombre Vazquéz, en un guiño al creador del personaje, y Berto Romero, Oona Chaplin y Rossy de Palma completarán el reparto de la película que está llamada a ser la cinta más taquillera del cine español de 2015.
Esta película es la culpable de que el año 2014 no contase con estreno alguno de la compañía Pixar. Bob Peterson, el director de “Up”, es el guionista y director de este proyecto del que fue despidido precipitadamente junto con su equipo de trabajo. La película retrasó 18 meses su estreno y llegará a las pantallas en Noviembre de 2015, una fecha atípica para un estreno Pixar. Mucho no debe confiar en ella la compañía de John Lasseter cuando la ha relegado a un segundo plano con respecto al otro título Pixar del año, “Inside Out”. “The good dinosaur” cuenta la historia paralela del mundo si el big bang que acabó con los dinosaurios no los hubiera extinguido completamente.
Mezcla de acción real y animación, “Pixels”, antes cortometraje que largometraje, será una de las aventuras familiares y nostálgicas del verano. Dirigida por Chris Columbus (“Solo en casa”, “Harry Potter y la piedra filosofal”), “Pixels” imaginará un ataque alienígena en el que la amenaza son los personajes de los míticos juegos de Arcade. Una legión de viejos jugadores de videojuegos se encargará de salvar el planeta con su destreza a los mandos. Adam Sandler ha colaborado en el guión, además de encabezar un reparto en el que están Peter Dinklage (Tyrion Lannister), Michelle Monaghan o Kevin James (“Hitch”).
John Hillcoat es, desde hace unos años, unos de esos directores a los cuales seguir la pista muy de cerca. Director de “La carretera”, “La propuesta” o la inédita “Sin ley”, Hillcoat tiene en “Triple nine” una gran historia para demostrar al mundo su gran pulso narrativo en el género del thriller. Un grupo de policías corruptos que han sido sobornados para atracar un banco ejecutarán el asesinato de un agente novato para proclamar el código 999, "agente caído", y así mantener distraído al cuerpo de policía mientras ellos realizan el atraco. Dos conocidos rostros de la pequeña pantalla son los protagonistas (Aaron “Jesse Pinkman” Paul y Norman “Daryl Dixon” Reedus) junto a otras grandes figuras como Kate Winslet, Casey Affleck, la nueva “Superwoman”, Gal Gadot, Woody Harrelson o Chiwetel Ejiofor. Repartazo para uno de los más prometedores thrillers del 2015.
Que el creador original de la franquicia, George Miller, sea quién está tras “Mad Max, Fury Road” parece una garantía para este reinicio de la sucia y apocalíptica saga después 30 años de su última entrega (“Mad Max, más allá de la cúpula del trueno). Tom Hardy encarna ahora a Max Rockatansky, héroe de un mundo sin recursos que parece haber sido reiventado manteniendo la esencia punk y la atmósfera anárquica, desquiciada y mugrienta de la trilogía principal. Su primer trailer garantiza una orgía de poderosas secuencias de acción y potentes y camufladas interpretaciones de actores como Charlize Theron o Nicolas Hoult, que intentarán hacer sombra en la taquilla veraniega al plantel de vengadores de Marvel.
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TOP TEN MEJORES PELÍCULAS 2015

December 30, 2015, 3:21 am
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1. MAD MAX. FURY ROAD

En unos tiempos poblados de remakes, secuelas, reboots y/o franquicias explotadas hasta la extenuación, la llegada de la cuarta entrega de la saga Mad Max supuso un alivio para todos aquellos que empezábamos a mirar con recelo el abuso del hollywood actual a la hora de llevar el agua de éxitos pasados a su molino. La "Furia en la carretera" ofrecida por el septuagenario director George Miller, (es importante indicar su edad para admirar todavía más el vigor de su trabajo) no sólo ha sabido reconstruir con fidelidad el universo árido, apocalíptico y anárquico de la saga originaria que el propio Miller creó y encumbró, sino que lo ha llevado más allá, añadiéndole desfreno, aumentando sus revoluciones y haciendo del exceso una virtud hasta completar una de las cintas de acción más abrumadoras vistas en bastante tiempo. Algo así como una revolución del género que revertía el sexo del héroe (Max se rinde ante la fuerza de Imperator Furiosa), componía unos personajes secundarios icónicos (ese Nicolas Hoult tísico y enajenado, ese guitarrista lanzallamas, ese Inmortal Joe), integraba una banda sonora modélica en la épica y en la pausa y contenía una imponente belleza en la gran mayoría de sus planos. Espectacular y apabullante hasta el punto de sentir el olor a gasolina y neumáticos quemados en su huida hacía delante por la libertad.
2. WHIPLASH

El talento, ¿se tiene o se adquiere?. El fin, ¿justifica los medios?. La letra, ¿con sangre entra?. Cortometraje antes de ser largometraje, "Whiplash" enfrentaba en un duelo interpretativo tremendamente apasionado y efectivo a dos seres apegados al jazz, un joven batería con ganas de comerse el mundo y un disciplinado e imponente director de orquesta. El primero es puro entusiasmo e ilusión. Candidez. El segundo, la representación de una instrucción militar, el perfeccionismo nacido probablemente de una frustración personal adquirida. A través del mejor tour de force interpretativo del año, "Whiplash" hablaba de la excelencia musical, de la obsesión, la exigencia y los limites de la enseñanza, contraponiendo para tal fin el marcial ideario del aterrador profesor de conservatorio que encarnaba un impecable, y a la postre oscarizado, J.K.Simmons, con el consentido derroche de sangre,sudor y lágrimas del alumno que mantiene el tipo (estupendo Miles Teller) esperando la trascendencia en la percusión de jazz. Todo ello narrado con concreción, ritmo endiablado y un dominio excelente del montaje, la música y la realización cinematográfica, que mostraron al mundo a un director de apenas 30 años, Damien Chazelle, perfectamente afinado.
3. EX MACHINA

"Ex Machina", el debut en la dirección de Alex Garland, guionista de Danny Boyle en títulos como "28 días después" o "Sunshine", es una de esas obras de ciencia-ficción íntimas y pequeñitas que se hacen mucho de querer con un casting (Gleeson-Isaac-Vikander) y diseño de producción inmejorables (ese bunker de diseño en medio de algún sitio) y un relato futurista donde el juego de sus identidades y el poder de seducción sobre el hombre de una inteligencia artificial (o deberíamos decir de una mujer) garantizan un interés continuo e in crescendo y varios giros argumentales para aplaudir. Además, contiene mi secuencia favorita de todo el cine de 2015, este baile inesperado y alejado del tono de la cinta que aumenta el magnetismo que desprende y que refuerzan su condición de título de culto del 2015.

4. NIGHTCRAWLER

Si nos paramos a pensar, el Jake Gyllenhall de "Nightcrawler" podría ser una suerte del Richard Windmark de "Noche en la ciudad", un merodeador de la noche en busca de una oportunidad de la que sacar tajada, por muy grotesca que sea. La diferencia entre ambos es que donde Windmark sólo encontraba más desgracia a su ya de por si, desorientada existencia, Gyllenhall encuentra el éxito en esta incisiva cinta nocturna (el Scorsese de "Taxi Driver" o "Al límite" está muy presente) que suponía el debut tras las cámaras de Dan Gilroy. El personaje alienado, raquítico, excesivo e interesado encarnado a la perfección por Gyllenhall servía a Gilroy para atizar al sensacionalismo televisivo, a la sociedad capitalista, a la cultura del riesgo. No triunfa tanto el que más talento tiene como el que menores escrúpulos y valores morales más reprobables atesora. Más, en una industria de la televisión que premia con cada vez más frecuencia la deshumanización y el oportunismo de sus imágenes. "Nightcrawler" incomodaba hasta el punto de hacernos dudar de si con nuestra curiosidad televisiva hemos tenido parte de culpa en esa insensibilidad mediática generalizada.
5. EL AÑO MÁS VIOLENTO

A los pies del skyline de Manhattan, Oscar Isaac parecía sentirse en la cima del mundo, como si de James Cagney se tratase. Lo decepcionante para el personaje que encarna Isaac es, precisamente, tener que haberse convertido en un Cagney de turno para lograrlo.
Parábola del "sueño americano" y de porqué hemos llegado a la crisis que hemos llegado, "A most violent year", con su tono gélido y pausado y una atmósfera de intranquilidad en la que sobrevolaba constantemente la fatalidad, nos hablaba de resistirse a perder la honradez y la integridad pero al mismo tiempo comprender que el crimen nace del negocio empresarial y no al contrario. Su pareja protagonista, Isaac-Chastain reforzaba la historia con su aplomo interpretativo luciendo el abrigo de paño con la seguridad de un Pacino de los 70 y ejerciendo de imponente mujer dominante, respectivamente. Un clásico inmediato que le daba sopas con honda al resto de películas nominadas al Oscar, y sin embargo no recibió ni una sola candidatura, lo cual evidencia la deriva de estos premios en los últimos años.
6. KINGSMAN, SERVICIO SECRETO

“Kingsman, servicio secreto” es algo así como la película de 007 que Matthew Vaughn siempre quiso dirigir y nunca pudo hacer, o al menos, a él nunca le llamaron.  Casi mejor, porque fuera de todo protocolo que encorsete sus inclinaciones gamberras y violentas, es donde mejor se mueve el cine de Vaughn, que hasta la fecha siempre ha mostrado un excelente espíritu lúdico y desacomplejado, ya sea en románticas aventuras fantásticas adaptando a Neil Gaiman, capaces de sacar pluma al mismisimo Robert De Niro (“Stardust”), o en cintas de superhéroes adolescentes adaptando a Mark Millar y John Romita Jr. (“Kick Ass”). Para “Kingsman, servicio secreto”, Vaugh vuelve a recurrir a un comic de Millar (“The Secret Service”, esta vez junto a Dave Gibbons) y vuelve a dar en el clavo, con esta historia de reclutamiento e iniciación juvenil al espionaje que sabe honrar al género jamesbondniano en su primera mitad de metraje para posteriormente desatarse como gozoso film de acción.  No le falta de nada; organizaciones secretas, agentes de doble vida, gadgets y armas inverosímiles, conspiraciones para acabar con el planeta, un villano con defecto en el habla y una flema británica tan impecable como la dicción de Colin Firth. También un ritmo endiablado, mucho sentido del humor y gusto por las referencias a la cultura pop, una selección musical ecléctica y cierto ánimo de perdurar como saga. “Kingsman, servicio secreto” es un divertimento de primera, que demuestra que Mark Millar es un filón para el cine y que Matthew Vaugh es quien mejor sabe interpretarlo, habiendo dado un volantazo al viejo genero de espías cinematográficos
7. EL PUENTE DE LOS ESPÍAS

En sus más recientes apariciones públicas, el que fuera "Rey Midas" de Hollywood ha renegado una y otra vez del blockbuster actual y en concreto del cine de superhéroes. Quizá por eso, Spielberg ande alejándose últimamente del tipo de películas que él mismo contribuyó a instituir en diferentes ocasiones a lo largo de su carrera para acercarse a la otra vertiente más frecuentada de su filmografía, la que adora y reverencia a los clásicos. "El puente de los espías" es la declaración de amor de Steven Spielberg al relato espionaje. También al cine judicial. A "Topaz" y al americano modelo cargado de honestidad como protagonista principal de su historia. Tom Hanks es (otra vez), James Stewart y Gregory Peck. Hay duelos interpretativos (que gran aparición la del espía ruso encarnado por Mark Rylance), momentos históricos (ese muro de Berlín en construcción), detalles de guión (ese abrigo y ese constipado del personaje de Hanks) firmado por los mismísimos hermanos Coen, una obligada secuencia de lucimiento visual (el ataque al avión norteamericano) y una final maravilloso y cotidiano que nos confirma estar ante el mejor Spielberg si no fuese porque a "El puente de los espías" le falta un pedazo fundamental de él mismo, la música de John Williams.
8. AMY. LA CHICA DETRÁS DEL NOMBRE

La que podría haber sido estrella musical más grande de nuestros tiempos se quedó en el camino. Y nosotros fuimos testigos directos de su nacimiento, auge y caída. El documental "Amy, la chica detrás del nombre" de Asif Kapadia (responsable de otro alabado documental, "Senna") ilustra la corta pero intensa vida de la talentosa voz de Camden Town valiéndose de un patrimonio audiovisual riquísimo (la cantidad de grabaciones móviles caseras, testimonios de familiares y amigos o imágenes de la prensa sensacionalista es enorme) capaz de mostrar a Amy en todos sus pasos, comportamientos y sentimientos tanto profesionales como íntimos. Como si por apenas dos horas Winehouse volviese a la vida para recrear su tumultuosa existencia, "Amy, la chica detrás del nombre" nos ofrece la posibilidad de volver a hacernos fan de Amy Winehouse y de despedirnos de ella por última vez, haciendo bueno ese dicho de "Entre todos la mataron y ella sola se murió".
9. MISION IMPOSIBLE: NACION SECRETA

Tiene todos los elementos obligatorios de la saga y/o del thriller de acción y espionaje estandar pero además; un prólogo breve pero divertidisimo que no duda en reírse de sí mismo, un Tom Cruise situado en un punto de su carrera en el que es capaz de ceder galones a una Rebbeca Ferguson que enamora al patio de butacas y que es, sin duda, uno de los grandes descubrimientos interpretativos del año, una secuencia-homenaje a "El hombre que sabía demasiado" rodada y montada con elegancia y oficio por Christopher McQuarrie, y un villano (Sean Harris) puramente hitchcockiano. La segunda mejor película de la franquicia tras la primera de De Palma.


10. THE GUEST


Apenas un sólo minuto de metraje bastaba para conocer las intenciones de la nueva película de Adam Wingard (director de esa cinta de terror referencial llamada “You´re next”); un trote militar con el primer plano de unas botas corriendo por un terreno empedrado, un título sobreimpresionado en pantalla con una tipografía en un potente color neón que era puro John Carpenter, una calabaza preparada para Halloween y una madre que mira apenada la foto de su hijo, en cuyo marco de fotos se apuntan las claves de su fallecimiento en combate. Cuatro esbozos eran suficientes para que Adam Wingard informe, ponga en situación e intrigue al espectador. Una posterior llamada al timbre por parte de un cautivador y apuesto joven (Dan Stevens, perfecto en su rol), daba el pistoletazo de salida a este orgiástico y fanfarrón thriller que disfrutaba y hacía disfrutar revisando los códigos del cine ochentero, recurriendo a la de acción y el sentido del humor, mostrándose muy salvaje y nada preocupada por cumplir con la corrección moral que inunda el cine actual y acompañado por una banda sonora electrónica, especialmente diegética que enfatizaba el tono caricaturesco e insolente de la cinta. Fue una de las cintas más disfrutadas cintas de la edición 2014 del Festival de Sitges y con razón.
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EL SÉPTIMO CIELO: EL LIBRO

December 20, 2016, 6:45 am
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Solo hay que desear cosas y hacer que ocurran. Hace alrededor de un año imaginé como sería tener en las manos un libro que resumiese el recorrido de "El Séptimo Cielo" en Nova Onda Radio y en este blog y poder así poner fin un etapa de mi vida que duró casi trece años y de la que muchos de vosotros fuisteis testigos directos en e7cielo.es o semana tras semana a través del podcast que en este espacio iba colgando. 

El pasado viernes 16 de Diciembre presenté ese libro y hice realidad ese deseo. Lo hice acompañado de mi gente, en uno de los espacios más acogedores y que mejor apuestan por la cultura en este ciudad, La Leche Militina, y con todas las personas que han participado en este libro; Irene Nadal, la ilustradora que ha puesto imagen a todas y cada una de las películas que aparecen en el libro, Javi Sánchez Munera, de Nova Onda Radio, Jesús Antonio López, de Filmoteca de Albacete, y Bamf!, youtuber, que se han encargado de realizar los tres prólogos que componen el libro, y Miguel Ángel Aguilar, de Uno Editorial, que confió plenamente en el proyecto de "El Séptimo Cielo" desde un primer momento.

No lo he dicho, pero "El Séptimo Cielo, 30 reseñas de cine para un programa de radio" es el título completo del libro y, efectivamente, no 40, ni 20, sino 30 son las reseñas seleccionadas de entre todas las que figuran en este blog, y que conforman esta pequeña crónica escrita de más de una década en la que cine y radio han ido de la mano. Desde Tarantino a Woody Allen, pasando por Almodovar, Alberto Rodriguez, Edgar Wright, Pixar o Christopher Nolan. Un testimonio del mejor cine reciente. Un libro con el que estar, por una vez más, en el séptimo cielo.

Más info y venta: 

http://www.unoeditorial.com/portfolio/el-septimo-cielo/ 


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"LA LA LAND", SOÑAR COMO TONTOS

January 28, 2017, 4:16 am
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Soltar el volante, abrir la puerta y bailar. Lo ideal sería lanzarse a mover el esqueleto y cantar para combatir las largas esperas de un atasco en carretera. Pero no, en la realidad eso ni ocurre ni ocurrirá, y si alguien decide hacerlo se jugará una buena sanción por alteración del orden público. 

Orden público. Que expresión. Vivimos en una sociedad extremadamente cínica. Continuamente molesta frente a aquello que se escape ligeramente de lo establecido. Tendentes a vivir alienados y enojados. Faltos de romanticismo.

“La La Land” va para aquellos que sueñan. Por tontos que puedan parecer. No lo digo yo, lo dice Mia Dolan en la gran audición de su vida. Lo dice Damien Chazelle, que a sus 32 añitos recien cumplidos sabe que para soñar hay que dejarse llevar y que para eso hay que recuperar géneros alegremente desprejuiciados.

En épocas difíciles el cine musical norteamericano siempre ha estado ahí para suavizar el hastío, para fomentar la desconexión. Durante la Gran Depresión, Ginger Rogers y Fred Astaire danzaron por el bien común. Las Grandes Guerras tuvieron el alivio de Gene Kelly, Judy Garland o Bing Crosby. Ahora, el bálsamo de Hollywood a la agresiva era Trump consiste en deleitarnos con Emma Stone y sus ojos de expresividad infinita y Ryan Gosling y su sonrisa de galán adorable entonando y enamorándose en las colinas de Los Ángeles para que así volvamos a casa con la crispación aplacada y nos sentemos frente a twitter más suaves que un guante, mirando la vida con una sonrisa, al menos durante los días o semanas que dure el recuerdo de esta feliz ciudad de las estrellas donde la realidad se construye a partir de unas notas de jazz interpretadas a piano, largas gravitaciones en el firmamento y suaves deslizamientos de pies. 
Ese jazz es el mismo jazz que ya marcaba los ritmos en “Whiplash”, otra manifestación del amor por el cine y música surgida desde las entrañas, hecha con el corazón y dueña de un discurso idéntico; triunfar conlleva renunciar. No hay éxito sin dolor. El Chazelle guionista vuelve a guardarse ese as en la manga para remover emociones por si no todavía no hubiésemos caído rendidos al candoroso idilio entre Mia y Sebastian, a la nostalgia de esa pureza del cine clásico de estudios en formas, estilo, colores (y planetarios), a su banda sonora tremendamente pegadiza o a ese juego tan de nuestro tiempo de adivinar los guiños y referencias que un producto audiovisual claramente evocador contiene.

Vale, “La La Land” no descubre el musical. De acuerdo, “La La Land” es una combinación de grandes momentos de la historia del género. Correcto, Emma Stone no es Leslie Caron. Ryan Gosling no es Frank Sinatra. Y claro, por muy impetuosos que sean sus travellings, Chazelle solo está reproduciendo a Minelli, Demy y Donen. Pero por favor, deme usted otra entrada para “La La Land” y alégreme el día.
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EL ÚLTIMO TRABAJO DE BONNIE AND CLYDE

February 27, 2017, 4:33 am
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#OscarSoWhite

Remontémonos un año atrás para analizar todo lo acontecido en la presente edición de los premios Oscar y 89 de toda su historia. Vayamos a los "Oscar So White" del 2016, a los de Spike Lee poniendo el grito en el cielo, a los que provocaron que la Academia ampliase la nómina de miembros equiparando cuotas raciales.
Visto el revuelo, era de suponer que la gala de 2017 tendría un marcado carácter "So Black" y aunque la elegida para la gloria no fuese "El nacimiento de una nación" de Nate Parker como en un principio se intuía, el seguidor de los Oscar más suspicaz no andaba mal encaminado. "Fences", "Figuras Ocultas" y "Moonlight" pasearon por la alfombra roja con la cabeza alta no únicamente por sus méritos. Denzel Washington, Viola Davis, Naomi Harris, Mahersala Ali, Ruth Negga, Octavia Spencer, Ava Duvernay o Barry Jenkins entre otros fueron la personificación de la apertura multiracial de la Academia, más cuando la industria del cine unía fuerzas contra ese señor llamado Trump que proclama a los cuatro vientos desde su silla presidencial su fobia a otras razas y colores. 

El fenómeno La La Land

Contra el ánimo igualitario de los académicos, un vendaval de optimismo y nostalgia que parecía imparable. "La La Land", el musical que nos devolvía a otras épocas, al amor por el cine, a cantar y bailar sin complejos. Con unos adorables Emma Stone y Ryan Gosling, un director, Damien Chazelle, asquerosamente joven y talentoso y una banda sonora contagiosa. Todos hablaban de cuantos Oscar ganaría "La La Land" y no de si sería la triunfadora. Nadie lo ponía en duda. Ni siquiera sus haters. Ni siquiera Faye Dunaway.

El último trabajo de Bonnie & Clyde

La noche había transcurrido según lo esperado. La cuota racial satisfecha (Viola Davis, Mahershala Ali). La cuota indie, también (Lonergan, Affleck). El reparto de galardones era equitativo, 
reconociendo los méritos de grandes títulos de la temporada como "Hasta el último hombre" de Mel Gibson o "La llegada" de Denis Villeneuve". Rebajando hasta lo sensato el número de estatuillas que "La La Land" debía ganar. Un In Memoriam emotivo con grandes figuras como Carrie Fisher, Michael Cimino o John Hurt. Todo correcto. Todos medianamente contentos. 

En esas aparecieron Bonnie and Clyde, profesionales del robo para ejecutar una de sus últimas y mejores actuaciones. Ahora te doy, ahora te quito. Ahora alimento al conspiranoico de los premios, ahora condeno a la Academia y a su eterna carga de conciencia. Ahora hostigo al indignado, ahora despierto a los que ya se iban a la cama. En plena faena, dos grandes víctimas, "La La Land", que no pasará a la historia como la ganadora del Oscar que resucitó al género musical si no como "aquella película del error en la entrega de premios" y "Moonlight" como "la película que le arrebató el Oscar a "La La Land" de una manera ciertamente extraña" y sobre la que siempre pesará si su triunfo está condicionado por el tan cacareado #OscarSoWhite de la edición anterior.
Imagino a Damien Chazelle teniendo que responder a la largo de su carrera por este hecho y no por el éxito y valor de su trabajo y siento algo de pena. Imagino a Barry Jenkins considerado como un sospechoso ganador del galardón y creo que no lo merece.
La culpa no fue de Bonnie, ni de Clyde. Ni de Jimmy Kimmel. Nadie se equivocó. O se equivocaron todos. Mejor dejémoslo en que la culpa fue de Matt Damon.

Los Goya

Lo ocurrido es un hecho sin precedentes en la historia de los Oscar, que tuvo en el premio a Marisa Tomei por "Mi primo Vinnie" un amago, leyenda urbana o traición patriótica que siempre albergará el beneficio de la duda. Y supone un correctivo para todos nosotros. La próxima vez que veamos la gala de los premios Goya y pensemos "esto en los Oscar no pasa", mejor seamos prudentes. Hasta el mejor escribano echa un borrón.
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December 13, 2019, 11:52 am
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